Por Lucas Santos – Materia Original Kerrang!
O Lucas Santos de 2003 ficaria muito orgulhoso dessa matéria. Os 10 Maiores Álbuns Emo de todos os tempos.
10. SUNNY DAY REAL STATE – DIARY (1994)
Apenas um mês depois que o vocalista do Nirvana Kurt Cobain tirou a própria vida, outra banda com trechos sensíveis de Seattle, Sunny Day Real Estate, lançou seu álbum de estreia que marcou época, Diary. Se Kurt e companhia introduziram uma nova apreciação dentro do mainstream de que os meninos também têm sentimentos, os mais recentes candidatos da Sub Pop os fizeram parecer neandertais rudes. Essas 11 faixas não tiveram nada parecido com esse tipo de exposição em massa, mas eles fizeram de seus criadores estrelas de culto, especialmente quando a internet se consolidou alguns anos depois, e o que antes era um segredo bem guardado se tornou um sucesso mundial.
9. TAKING BACK SUNDAY – TELL ALL YOUR FRIENDS (2002)
‘Why can’t I feel anything for anyone other than you?’ É um refrão icônico – de Cute Without The ‘E’ (Cut From The Team) – que é gritado em todo o volume por multidões em noites emo em todo o mundo regurlamente. Há muito mais neste álbum de estreia do que apenas uma música, no entanto, e as outras nove faixas reverberam com o mesmo tipo de paixão inabalável. Cheio daqueles sentimentos adolescentes que nunca morrem, como You Know How I Do, Bike Scene, Ghost Man On Third, Timberwolves At New Jersey e You’re So Last Summer são evocações poderosas de desgosto que atingiram com a mesma intensidade duas décadas mais tarde. Foi aqui, claro, que tudo começou para o Taking Back Sunday, e embora seu som e estilo tenham evoluído nas últimas duas décadas, o significado deste álbum na cena simplesmente não pode ser esquecido – e nem deveria ser.
8. THE USED – LOVE AND DEATH (2004)
Um recorde envolto em tragédia, a criação de In Love And Death foi um período tumultuado para o The Used, particularmente o vocalista Bert McCracken, que estava se reconciliando com a morte de sua ex-namorada e de seu filho ainda não nascido. A luta interna entre a banda e as tensões com o produtor John Feldmann não ajudaram, mas o The Used se recuperou, escrevendo uma coleção eclética de canções que permanecem um pináculo do emo até hoje.
7. WEEZER – PINKERTON (1996)
Foi um fracasso em seu lançamento, mas Pinkerton agora é considerado um destaque da carreira do Weezer. O LP mais sombrio da banda, e que fala das lutas de Rivers Cuomo com identidade e relacionamentos, foi forjado no estilo Weezer tipicamente maluco, com o quarteto destruindo uma ópera de rock de ficção científica chamada Songs From The Black Hole antes de Pinkerton ser concebido. Cheio de uma angústia abrasiva, esta era a banda em seu estado mais emo, e era gloriosa. Sua estréia peculiar, o álbum autointitulado Blue de 1994, estabeleceu os Weezer como pioneiros do geek rock, porém este álbum os viu atravessar para um território mais desesperado e sério, mas com seu senso de humor intacto.
6. MY CHEMICAL ROMANCE – THREE CHEERS FOR SWEET REVENGE (2004)
Descrito pela banda como “A história de um homem, uma mulher e os cadáveres de mil homens maus“, o segundo álbum do My Chemical Romance foi um divisor de águas tanto para seus criadores quanto para a cena emo em geral. Chegando ao estúdio com o aclamado produtor Howard Benson, Gerard Way e companhia aperfeiçoaram seu som emo-punk fragmentado para produzir hinos icônicos como Helena e I’m Not Okay (I Promise) que inspiraram toda uma geração de crianças e, ao lado do Fall Out Boy, trouxe essa nova visão do emo para o mainstream.
5. AMERICAN FOOTBALL – AMERICAN FOOTBALL (1999)
Quando se trata do que é geralmente conhecido como Midwest emo – o lado mais suave e alegre do gênero que é definido por linhas de guitarra intrincadas e delicadas – este é provavelmente o álbum mais icônico. Opener Never Meant é a única música que todo mundo conhece, mas a coisa toda é uma experiência hipnótica e hipnotizante que o atrai profundamente em seu universo melancólico de fim de verão. Após este lançamento, a banda se separou por quase 15 anos, mas o álbum continuou a acalmar e partir corações, e Never Meant entraria em mixtapes para jovens esperançosos românticos em todo o mundo.
4. PANIC! AT THE DISCO – A FEVER YOU CAN’T SWEAT OUT (2005)
O sucesso mainstream do Panic! At The Disco em 2019 está muito longe de onde as coisas começaram para a banda. Em 2005, Brendon Urie e seus companheiros eram apenas um bando de garotos emo com uma inclinação para o drama. No entanto, esses eram adolescentes com grandes ambições, algo que Pete Wentz do Fall Out Boy percebeu instantaneamente, grantindo o Panic! uma assinatura antecipada em sua gravadora Decaydance.
As coisas escalaram rapidamente após o lançamento de A Fever You Can’t Sweat Out, e apesar da demissão do baixista original Brent Wilson da banda alguns meses depois ameaçando balançar o barco, o Panic! At The Disco se uniu em torno de sua visão única do emo. Misturando pop barroco e música eletrônica com instrumentos clássicos e rock mais tradicional, seu álbum de estreia os ajudou a se destacar em um momento em que o emo estava rapidamente se saturando com sons cínicos que buscavam lucrar com o incrível sucesso do gênero.
A Fever You Can’t Sweat Out será amplamente lembrado por seu single de destaque I Write Sins Not Tragedies – uma das faixas definidoras do movimento emo de meados dos anos 90 – mas pelo charme único de canções como a descaradamente intitulada Lying Is The Most Fun A Girl Can Have Without Taking Her Clothes Off e But It’s Better If You Do desempenharam um grande papel no sucesso deste álbum.
Além do mais, sua construção foi um projeto inicial de onde Brendon Urie acabaria levando a banda nos anos que se seguiram. Estiloso, sensual e cheio de arrogância, as primeiras músicas do Panic! eram cruas, mas repletas de potencial. Cinco álbuns, vários membros e muitos falsetes depois – para não mencionar um papel no musical da Broadway Kinky Boots – Brendon virou o Panic! At The Disco em um rolo compressor que incomoda o mainstream. Apesar disso, eles continuam sendo uma banda sinônimo do gênero emo, e um dos principais motivos pelos quais a cena capturou tantos corações quando o fez.
3. JIMMY EAT WORLD – CLARITY (1999)
Existem poucas linhas que capturam o medo existencial e a solidão humana, como o refrão coral de Blister, a 11ª música do terceiro álbum de Jimmy Eat World. “E quanto tempo eu levaria/Para atravessar os Estados Unidos sozinho?” Não é apenas a letra, mas também a maneira como a voz de Tom Linton quase quebra a cada vez que ele pronuncia a fala. Não há afetação, apenas um derramamento de verdade e emoção crua e honesta em uma faixa de guitarras bruscas e agitadas. É a única música que ele canta – o resto é feito por Jim Adkins – mas é uma música significativa. Por outro lado, Lucky Denver Mint oferece um vislumbre das sensibilidades pop que a banda criaria tão bem em seu próximo álbum, Bleed American, dois anos depois. Por melhor que seja o álbum, Clarity – o segundo lançamento de uma grande gravadora – é realmente o auge do catálogo da banda.
Há, é claro, muita manifestação emocional em suas 13 canções, mas a música – às vezes alegre, bela e resignada, às vezes desafiadora e beligerante – a impede de ser auto-indulgente ou exagerada, mesmo quando faz perguntas grandiosas e exageradas como aquela em Blister. Mais do que tudo, porém, essas músicas recebem a quantidade exata de espaço de que precisam para realmente florescer e explodir, sejam os dois minutos e 40 segundos de Your New Aesthetic ou os épicos mais de 16 minutos de Goodbye Sky Harbor, que fecha o álbum em um fogo lento de desânimo e resignação, e um riff sem fim.
2. FALL OUT BOY – FROM UNDER THE CORK TREE (2005)
Houveram várias coisas que não foram exatamente normais na produção do From Under The Cork Tree. O produtor do álbum, Neal Avron, não queria trabalhar com o Fall Out Boy no início, dizendo que as demos iniciais que ele ouviu “soavam muito ásperas” e que ele “não achava as músicas ótimas“. Dificilmente o melhor dos começos. Depois, há a tensão notória entre Patrick Stump e Pete Wentz. Os dois se desentenderam com o refrão de Sugar, We’re Goin Down, e as coisas chegaram ao auge quando Patrick socou uma câmera com a qual Pete o estava filmando no estúdio. Pete até se viu gravando alguns vocais em um banheiro em certo ponto; não querendo que seus companheiros de banda o vissem, ele acabou agachado no banheiro do estúdio com um microfone para terminar a música.
E ainda, apesar de todo esse comportamento bizarro, o Fall Out Boy produziu um álbum revolucionário matador que os catapultou para os olhos e ouvidos do mainstream. Impulsionados pelo sucesso de Sugar, We’re Goin Down e do companheiro single Dance, Dance – ambos alcançaram o Top 10 nas paradas do Reino Unido – Patrick, Pete, Joe Trohman e Andy Hurley rapidamente se tornaram membros de uma das maiores bandas de rock.
Quase 15 anos e milhões de álbuns vendidos após seu lançamento, From Under The Cork Tree continua sendo uma escuta essencial para quem quer se familiarizar com o mundo emo – e até mesmo os puristas do gênero não podem negar isso.
1. MY CHEMICAL ROMANCE – THE BLACK PARADE (2006)
Após o sucesso de Three Cheers For Sweet Revenge, o mundo do rock esperava grandes coisas do My Chemical Romance em seu terceiro LP. Ninguém, porém, poderia ter previsto o que viria a seguir. Levando suas personas teatrais ao extremo e suas composições a níveis estratosféricos,eles escreveram o álbum emo definitivo. O referido disco, The Black Parade, definiu uma geração e mudou a paisagem do rock para sempre.
Da grandiosidade de The End até o grito desafiador da faixa de encerramento Famous Last Words, The Black Parade serve como um lembrete para o ouvinte de que está tudo bem se sentir emocional, e é bom se sentir triste, perdido ou sem destino. Acima de tudo, serviu como um grito de guerra poderoso para os oprimidos e um símbolo de como é normal não estar bem.
As letras de Gerard Way mostram as memórias de um personagem chamado “O Paciente“, enquanto ele está à beira da mortalidade, e suas experiências são um veículo através do qual a banda comenta sobre amor, perda, vida e tudo o mais. Quer sejam as ansiedades que vêm com o envelhecimento (Teenagers) ou a dor – tanto física quanto emocional – que a doença inflige (Cancer), The Black Parade explora o trauma da experiência humana com honestidade inabalável.
Partes iguais de ópera rock do Queen, Ziggy Stardust glam e o horror punk do Misfits, The Black Parade abrange todas as facetas do som emo. Com baladas de piano, singles, hinos, e canções de amor, The Black Parade tem um pouco de tudo, e há até a participação de Liza Minnelli, vencedora do Oscar para finalizar. Para a maioria, porém, este álbum será lembrado por seu single principal, Welcome To The Black Parade. Uma das maiores, melhores e mais importantes canções de rock do século 21, é um grito de guerra para todos os que sentem que o mundo não lhes foi justo. Ousado, impetuoso e cheio de vida, The Black Parade é o álbum emo definitivo e um álbum que talvez nunca mais acontecerá.