Por Lucas Santos – Matéria original PopMatters

O blues é a base de muita música americana, mas muitas vezes é classificado como um gênero “legado”, não vital e contemporâneo. O que Willie Dixon chamou de “os frutos” – R&B, soul, rock ‘n roll, funk, country, hip hop – há muito o eclipsaram em popularidade e atenção da crítica. Embora amplamente precisa, essa avaliação ignora o fato de que o blues é um estilo de vida que não desapareceu com o falecimento das figuras do século 20 que o definiram – Robert Johnson, Bessie Smith, Muddy Waters, Howlin’ Wolf, B.B. King , Koko Taylor, Sonny Boy Williamson, Etta James, Jimmy Reed, T-Bone Walker, Lightnin’ Hopkins, Big Mama Thornton, Elmore James e muitos mais.

A vitalidade do blues de hoje é evidente no número de artistas, novos e veteranos, que gravam e se apresentam; os muitos festivais de blues nos Estados Unidos e no exterior, bem como festivais de música “roots” com artistas de blues; a proliferação de publicações impressas e online dedicadas à música; e as categorias “melhor blues tradicional” e “melhor álbum de blues contemporâneo” do Grammy.

O blues hoje exibe grande variedade estilística. Alguns artistas tocam nos estilos mais antigos estabelecidos no Delta do Mississippi, na região do Piemonte e em Chicago, para citar apenas algumas fontes geográficas; outros incorporam soul, jazz, funk e hip-hop. Artistas de blues contemporâneos reconhecem os legados daqueles que os precederam enquanto os construíam com novas técnicas de performance e gravação. Como sempre foi verdade, os bluesmen e as mulheres mais atraentes são aqueles que trazem perspectivas pessoais distintas sobre a vida e talento para contar histórias à música.

A era digital certamente tem seus descontentamentos, mas a Internet tem sido uma bênção para o blues. A tecnologia reduziu o tempo para que fãs e músicos possam mergulhar nas gravações dos anos 1920 de um pai fundador como Charley Patton e um recém-chegado como Christone “Kingfish” Ingram com o clique de um mouse. Graças à Internet, “a grande música do passado está mais disponível do que nunca”, observa o historiador da música Elijah Wald. “Os fãs modernos podem ouvir gravações e assistir a vídeos dos melhores artistas de épocas anteriores, e alguns artistas jovens usaram essas ferramentas para aprender estilos clássicos e se conectar com colegas que compartilham seus gostos.” Os novos artistas “incluíram uma onda de jovens músicos afro-americanos” que conectam “blues ao country, ragtime, jazz e pop contemporâneo e estilos alternativos”.

Wald diz que as comunidades que “produziam blues há um século ainda estão produzindo uma riqueza de novas músicas”. “De pequenos clubes de bairro a palcos de estádios – e os palcos virtuais da Internet – os herdeiros culturais de Robert Johnson e Bessie Smith estão alcançando um público maior do que nunca.” Se, como Wald observa, “o estilo de blues mais popular nos Estados Unidos é um som barulhento, de banda de bar, com andamentos rápidos e solos de guitarra elétrica gritantes”, dificilmente é o único a ser tocado e apreciado.

Raça e racismo são cruciais para qualquer discussão sobre o blues, como sempre foram. Embora o blues seja uma forma de arte criada por negros sob a opressão do apartheid americano, a maioria de seus fãs são brancos (e isso não é uma novidade), assim como muitos dos artistas de hoje. A maioria dos brancos possui os meios de produção, distribuição e desempenho. A indústria da música dirigida por brancos explorou o trabalho de criadores negros; Leonard e Phil Chess dando a Muddy Waters e outros artistas da Chess Records Cadillacs em vez de uma compensação justa (retratado no filme Cadillac Records) é uma metáfora para os negócios questionáveis ​​de Chess — e da indústria — que deixaram esses pioneiros praticamente falidos, exceto pelos Cadillacs novinhos em folha.

E como no jazz, os homens brancos dominaram a escrita jornalística e crítica sobre a música.

Corey Harris, um artista de blues negro, provocou uma controvérsia online com uma postagem no blog que perguntava: “Os brancos podem tocar blues?” Sua resposta: embora os brancos possam e tocam blues, “um cantor branco nunca pode cantar as mesmas músicas que um cantor negro e fazer com que as músicas mantenham o mesmo significado. O contrário também é verdade! Por quê? Cultura…A cultura e o patrimônio são a sujeira da qual o blues cresce. Essa cultura e herança são negras. O blues é música negra!”

Pode-se debater os méritos do argumento cultural de Harris. Mas não há como contestar uma de suas observações: “O conceito de ‘guitar hero’ é uma introdução puramente branca na música, um produto de uma cultura individualista que é o oposto da natureza comunal da música negra… blues tradicional onde longos solos não eram comuns e a interação entre os músicos era mais importante do que destacar um indivíduo.” Se você aguentou o equivalente musical de fapping prolongado servido por guitarristas brancos de blues, estrelas e jornaleiros, seus solos “gritantes” no estilo “ruidoso de banda de bar”, você sabe que Harris fala a verdade.

O blues tem sido fortemente associado aos homens desde que Blind Lemon Jefferson na década de 1920 se tornou “o primeiro a sintetizar a figura icônica do cantor de blues masculino solo e guitarrista”. Mas os primeiros discos de blues de sucesso foram feitos por mulheres, “rainhas do blues” como Ma Rainey, Bessie Smith e Mamie Smith, e também cantoras menos conhecidas que gozavam de considerável popularidade, como Virginia Liston, Laura Smith, Ora Criswell e Trixie Smith. Outras mulheres notáveis ​​do blues incluem Alberta Hunter, Memphis Minnie, Victoria Spivey, Ida Cox, Gladys Bentley (abertamente lésbica, na década de 1920), Sippie Wallace, Lucille Bogan (sua gravação atrevida de 1935 Shave ‘em Dry faz dela uma madrinha de Cardi B e Megan Thee Stallion), Rosetta Tharpe, Koko Taylor e Beverly “Guitarra” Watkins.

O que se segue é uma lista de uma dúzia de artistas contemporâneos de blues, divididos igualmente entre homens e mulheres, com idades variando de Christone “Kingfish” Ingram (nascido em 1999) a Little Freddie King (nascido em 1940). A lista não é definitiva; há muito mais bluesmen e mulheres talentosos do que podem ser abordados aqui: veteranos como Buddy Guy, Robert Cray, Bobby Rush, Robert Finley, Keb’ Mo’, Susan Tedeschi, Corey Harris, Taj Mahal e Robert Randolph; e artistas mais jovens como Gary Clark Jr, Samantha Fish, Beth Hart e Eric Gales. A dúzia listada aqui, em ordem alfabética, inclui artistas em ascensão, consagrados conhecidos principalmente pelos aficionados e alguns com maior reconhecimento. Todos eles são artistas ativos de gravação e performance que representam a diversidade e a vibração do blues no século 21.

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SHEMEKIA COPELAND

Shemekia Copeland é atualmente a mais popular e aclamada cantora de blues contemporâneo. Nascida no Harlem, ela é filha do guitarrista e cantor de blues texano, Johnny Copeland. Ela começou a cantar e se apresentar quando criança e se tornou profissional quando adolescente. Ela foi a banda de abertura de seu pai em suas turnês, o que ajudou a estabelecê-la no circuito de clubes e festivais de blues. Copeland lançou dez álbuns e ganhou vários prêmios. Ela fez sua estréia na gravação com Turn the Heat up! em 1998, pela Alligator Records, seguido por Wicked (2000) e Talking to Strangers (2002), este último produzido por Dr. John.

No álbum mais recente de Copeland, Uncivil War (2020), “sua arte atingiu um novo nível”, segundo o site Downbeat. A maioria das 12 faixas (sete co-escritas pelo produtor Will Kimbrough) aborda temas sociais e políticos – o impacto duradouro da escravidão (Clotilda’s on Fire), intolerância religiosa (Give God the Blues), violência armada (Apple Pie and a .45), e se assumir lésbica (She Don’t Wear Pink). Dirty Saint, com o seu funk de Nova Orleans, presta homenagem ao Dr. John (“Jogou tão doce/Faça uma mulher desmaiar/Nunca haverá outro/Como o santo sujo”).

Copeland homenageia seu pai com a composição de Johnny Copeland que encerra o álbum, Love Song. A maior surpresa do álbum é a mudança de gênero de Copeland, a versão cover da infame Under My Thumb dos Rolling Stones. Uncivil War, embora mergulhada no blues, vai além dele para incorporar elementos estilísticos e instrumentação associados ao gênero americana– bandolim, guitarra lap steel e dobro. Ele apresenta participações especiais de Christone “Kingfish” Ingram (Money Makes You Ugly), Jason Isbell (Clotilda’s on Fire), Steve Cropper (In the Dark) e o pioneiro da guitarra do rock ‘n roll Duane Eddy (She Don’t Wear Pink).

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BOB CORRITORE

Bob Corritore é uma das figuras que mais trabalham dentro do blues contemporâneo, um respeitado tocador de gaita, líder de banda, produtor, apresentador de rádio e dono de clube. Nascido em Chicago, ele começou a colecionar álbuns de blues e ir a shows – incluindo um show de Muddy Waters em sua escola – quando ainda era adolescente. Corritore andava por aí e aprendia com grandes tocadores de “harpa” como Big Walter Horton, Junior Wells e Carey Bell. Quando ele tinha idade suficiente para ir aos clubes de blues, ele assistiu a apresentações de nomes respeitados como Howlin’ Wolf, Muddy Waters, Billy Boy Arnold, John Brim, Sunnyland Slim e Eddie Taylor.

Corritore estreou como produtor em 1979 com Swingin’ the Blues do gaitista Little Willie Anderson; desde então, ele produziu muitos álbuns, de artistas únicos e compilações. Em 1999, ele lançou All-Star Blues Sessions, seu primeiro álbum como frontman, acompanhando Bo Diddley, o ex-baterista do Howlin’ Wolf Chico Chism, Robert Lockwood Jr., Henry Gray e outros 12 artistas.

Adições recentes (2021-2022) à sua ampla e distinta discografia incluem The Gypsy Woman Told Me, Spider in My Stew, Tell Me ‘Bout It (com Louisiana Red) e Down Home Blues Revue, uma compilação de blues do sul e números de dança juke joint. Em 2022, Corritore foi indicado a dois Blues Music Awards, como “tocador de gaita do ano” e “álbum de blues tradicional” por Spider in My Stew.

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RUTHIE FORSTER

Ruthie Foster é uma cantora e compositora do Texas que possui três indicações ao Grammy e vários Blues Music Awards. De uma família de cantores gospel, Foster começou a se apresentar na adolescência em corais e depois passou a liderar bandas de blues enquanto estava na faculdade. Seu álbum independente lançado em 1997, Full Circle, levou a sua assinatura pela gravadora Blue Corn Music, que lançou os álbuns subsequentes Crossover (1999), Runaway Soul (2002), Stages (2004), Heal Yourself (2006), The Phenomenal Ruthie Foster (2008). The Truth Segundo Ruthie Foster (2009) lhe rendeu uma indicação ao Grammy de “Melhor Álbum de Blues Contemporâneo”.

Let It Burn (2012), com os convidados Blind Boys of Alabama, William Bell, e a seção rítmica do Funky Meters também recebeu uma indicação ao Grammy. Promise of a Brand New Day (2014), produzido por Meshell Ndegeocello, mistura blues, soul, folk e gospel. Foster escreveu sete de suas 12 faixas. As capas incluem The Ghetto, originalmente gravada pelos Staple Singers e Outlaw, um blues de 12 compassos saudando o movimento de liberação das mulheres escrito em 1970 por Eugene McDaniel, com a linha de abertura “She’s a sister in jeans/She’s an outlaw/She don’t wear a bra.”

Foster seguiu com Joy Comes Back (2017), que contou com colaborações com vários artistas, entre eles Derek Trucks da Tedeschi Trucks Band. Seu álbum mais recente, Live at the Paramount (2020), foi gravado no Paramount Theatre em Austin, Texas, e inclui várias de suas composições originais, uma versão “completamente reimaginada” de Ring of Fire de Johnny Cash e dois covers associado a Ella Fitzgerald e Frank Sinatra, Mack The Knife e Fly Me to the Moon.

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DIUNNA GREENLEAF

Diunna Greenleaf, natural de Houston, Texas, toca blues impregnado da música gospel com a qual cresceu; seus pais, Ben e Mary Ella Greenleaf cantavam música religiosa. Mas suas influências também incluem Koko Taylor, Aretha Franklin e Sam Cooke. Com sua banda Blue Mercy, Greenleaf se apresentou em festivais de blues e jazz nos Estados Unidos e na Europa. Ela abriu e tocou com luminares como o ícone folk Odetta, Keb’ Mo’, James Cotton, o ex-guitarrista do Howlin’ Wolf, Hubert Sumlin, Willie “Pinetop” Perkins e Carey Bell.

Seu compromisso com o blues vai além da performance; ela atuou como presidente da Houston Blues Society e produziu festivais de blues. Ela foi indicada para muitos prêmios e ganhou vários, incluindo “Artista Feminina do Ano” da revista Living Blues em 2015. A discografia de Greenleaf é pequena, incluindo Crazy But Live in Houston (2004), Cotton Field to Coffee House (2007) e Trying To Hold On (2011). Ela aparece em uma faixa, Don’t Mess with the Messer, no álbum de Bob Corritore, Spider in My Stew. A música é leve, mas Greenleaf aproveita ao máximo com sua entrega animada.

Neste ano de 2022 ela lançou seu primeiro álbum em 11 anos, I Ain’t Playin’, com quatro de suas músicas e covers de material gravado pelos Staple Singers, Koko Taylor, Mighty Sam McClain, Johnny Copeland e Nina Simone.

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CHRISTONE “KINGFISH” INGRAM

Christone “Kingfish” Ingram é o novo talento mais badalado e comentado da cena do blues. De Clarksdale, Mississippi, uma cidade que se destaca na história (e mitologia) do blues, Ingram começou a se apresentar na sétima série. Ele é um poderoso cantor e guitarrista que reconhece sua dívida com o passado da música e suas grandes figuras enquanto demarca seu território como um artista de blues do século 21. Seu primeiro álbum, Kingfish (2019), alcançou o número um na Billboard Blues Chart, atraiu elogios da crítica e foi indicado ao prêmio Grammy de “Melhor Blues Contemporâneo”. A revista No Depression o saudou como “uma estreia impressionante de um jovem bluesman com uma alma antiga e uma grande presença no aqui e agora”.

O segundo lançamento de Ingram, 662 (2021), lhe rendeu seu primeiro Grammy. O álbum se baseia nos pontos fortes de sua estréia com composições fortes que se baseiam em temas familiares do blues, dando-lhes um toque pessoal e idiossincrático. (O título do álbum é o código de área para Clarksdale) Ingram presta homenagem à cultura e história do blues em Too Young to Remember e Something in the Dirt.

Not Gonna Lie liga sua história pessoal à história do Black and blues: “A música foi minha saída/Dessa pobreza e crime/Não queria ser assim/Há mais que eu tinha que encontrar/Blues é de onde eu venho/Eu tenho que continuar / eu prometi a Buddy Guy/Esta é a nossa história/e eu não vou mentir.” Quando se trata do tema perene do amor que deu errado, Ingram pode ser lamentável e engraçado: “Ela me chama de Kingfish/Me pegou no anzol/Se eu não desistir daquela mulher/Acredito que meu peixe está cozido”.

A forma de tocar de Ingram deve-se a seu herói e incentivador Buddy Guy, Jimi Hendrix (nome verificado em Too Young to Remember, Lightnin’ Hopkins e Muddy Waters, mas ele é muito mais do que um aluno apto. Um mestre de uma variedade de estilos de blues, ele tem talento e autoconfiança para se aventurar em territórios adjacentes – a balada soul That’s All It Takes, nos exemplos de jazz You’re Already Gone, Another Life Goes By e, na faixa-título, onde Chuck Berry encontra Ike e Tina Turner em Nutbush City Limits.

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AMYTHYST KIAH

Amythyst Kiah, natural de Chattanooga, Tennessee, é cantora, guitarrista e tocadora de banjo. A auto-intitulada “engraçada, apaixonada por ficção científica, queer Black” lançou dois álbuns e um EP. Sua música Black Myself, uma reflexão sobre história, escravidão, racismo e desejo pelo mesmo sexo, foi indicada ao Grammy de “Melhor Canção de Raiz Americana” em 2020 e ganhou “Canção do Ano” no Folk Alliance International Awards.

O primeiro álbum de Kiah, o independente Dig (2013), misturou suas composições com versões poderosas de Grinnin’ in Your Face de Son House e Over Yonder in the Graveyard da cantora e “banjoista branca dos Apalaches’ Ola Belle Reed e Fake Plastic Trees do Radiohead. Kiah seguiu com o EP Amythyst Kiah & Her Chest of Glass (2016), também lançado de forma independente.

Depois de ouvir Kiah tocar Trouble So Hard da cantora de folk e blues dos anos 1930 Vera Hall, Rhiannon Giddens a convidou para ser o ato de abertura da turnê Giddens’ Freedom Highway em 2017. Isso levou Kiah a colaborar com Giddens, a violoncelista Leyla McCalla e a cantora-compositora Allison Russell em Songs of Our Native Daughters (2019), um álbum aclamado pela crítica centrado no que Giddens chamou de histórias de mulheres negras de “luta, resistência e esperança”. O segundo álbum de Kiah, Wary + Strange (2021), mistura artisticamente duas linguagens musicais díspares: rock alternativo e americana. Inclui duas composições de Kiah, Hangover Blues e Tender Organs, que, segundo a revista Living Blues, “são tão magistrais e seguras que poderiam facilmente tornar-se clássicos do blues moderno”.

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LITTLE FREDDIE KING

Little Freddie King de McComb, Mississippi, nasceu Fread Eugene Martin. Como seu nome artístico sugere, seu estilo de tocar guitarra é baseado no influente bluesman do Texas Freddie King. Mas o veterano performer e artista de gravação desenvolveu seu próprio estilo de assinatura, que o Guardian descreveu como “uma forma muitas vezes caótica e suja de blues country“ – ‘gutbucket’, como ele o define. Um cabo, direto da guitarra para o amplificador, sem efeitos ou overdrive.” Depois que seu pai o ensinou a tocar, King se mudou para Nova Orleans quando adolescente, onde tocou guitarra acústica e elétrica em clubes e bares com estrelas do blues estabelecidas como Slim Harpo e Champion Jack Dupree.

King gravou seu primeiro álbum de blues elétrico em 1969, mas não gravou novamente até 1996, quando lançou Swamp Boogie. Durante seus anos longe do estúdio de gravação, ele nunca esteve longe de um palco. Em 1976, King excursionou pela Europa com Bo Diddley e John Lee Hooker e foi um dos pilares do New Orleans Jazz and Heritage Festival (mais conhecido como JazzFest). Até o momento, ele tocou em 42 edições do grande evento musical de Nova Orleans.

Nas últimas décadas, ele compensou os anos longe das gravações com uma série de álbuns bem recebidos, começando com a sessão ao vivo Sing Sang Sung (2000), You Don’t Know What I Know (2005), Messin‘ Around tha House (2008), Gotta Walk with Da King (2010), Jazzfest Live (2011), Back in Vinyl (2011), Chasing tha Blues (2012), Messin’ Around tha Living Room (2015), You Make My Night (2017), Absolutely the Best (2019) e Jaw Jackin’ Blues (2020). Em 2018, a Orleans Records de Carlo Ditta lançou Fried Rice & Chicken, uma compilação das gravações de King em 1994 e 1998; uma faixa, Cleo’s Back, foi apresentada no filme de Tom Hanks de 2011, Tão Forte e Tão Perto. King apareceu no álbum visual de Beyoncé, Lemonade (2016) e Queen & Slim (2019), e sua música Standin’ at Yo’ Door foi incluída na trilha sonora do filme.

O ressurgimento tardio de King veio após anos de luta e contratempos; sobreviveu a tiroteios, esfaqueamentos, a um grave acidente de bicicleta, ao furacão Katrina e, mais recentemente, à pandemia de Covid. O bluesman octogenário vive atualmente em Musician’s Village, um bairro no nono bairro de Nova Orleans reconstruído para músicos que perderam suas casas para o furacão Katrina. Por mais de 25 anos, seu principal local tem sido o BJ’s Lounge, um bar na seção Bywater da cidade.

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MARQUISE KNOX

Marquise Knox, de St. Louis, Missouri, nasceu para o blues. Sua avó lhe ensinou violão e ele tocou com um tio que foi uma importante influência em sua vida e carreira. Ele dividiu palcos com B.B. King, Pinetop Perkins e David “Honeyboy” Edwards e apareceu em muitos festivais de blues e excursionou pela Europa.

Enquanto em Clarksdale, Mississippi, ele conheceu Sam Lay, o baterista mais conhecido por suas passagens com Muddy Waters e Paul Butterfield e como membro da banda elétrica de Bob Dylan no Newport Folk Festival de 1965. Impressionado com Knox, Lay pressionou para que ele aparecesse no Bluesmasters at the Crossroads, uma prestigiada vitrine para músicos de blues em Salina, Kansas. Marquise foi um sucesso com o público e com os músicos de blues mais velhos que acabaram por ouvi-lo.

Seu primeiro álbum, Manchild (2009), foi indicado ao Blues Music Award de “Melhor Estreante de Artista Revelação”. O segundo álbum de Knox, Here I Am (2011), apresenta três covers de Muddy Waters (I Can’t Be Satisfied, Two Trains Running e Feel Like Going Home) e nove de suas composições, incluindo o que se tornou sua música de assinatura (e declaração de propósito), Can a Young Man Play the Blues?. Seu álbum mais recente, Black and Blue (2017), é um set ao vivo gravado no Bowlful of Blues em Newton, Iowa.

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JANIVA MAGNESS

Janiva Magness é uma cantora e compositora de Detroit cuja história de vida parece tê-la preparado para adotar um estilo musical tão emotivo quanto o blues: seus pais cometeram suicídio quando ela ainda era adolescente, e ela cresceu em uma série de lares adotivos. Magness ouviu blues pela primeira vez em discos da coleção de seu pai. Um concerto de Otis Rush fez dela uma devota; a adolescente Magness ficou emocionada com o cantor e guitarrista nascido no Mississippi, conhecido por suas performances intensas e emocionantes.

Magness gravou 15 álbuns, o primeiro, More Than Live em 1991, seguido por It Takes One to Know One (1997). Depois de três lançamentos independentes, ela assinou com a gravadora canadense Northern Blues Music, que lançou Bury Him at the Crossroads (2004) e Do I Move You? (2006). Em 2008, Magness assinou com a Alligator Records. A gravadora voltada para o blues lançou os álbuns What Love Will Do, The Devil Is an Angel Too (2010) e Stronger for It (2012); este último foi o primeiro desde More Than Live a apresentar composições próprias.

Magness deixou a Alligator em 2014 para lançar seu selo, Fathead, e seu primeiro lançamento, Original, incluiu sete músicas que ela co-escreveu. Love Wins Again (2016) tornou-se seu álbum de maior sucesso, alcançando o Top 10 nas paradas de blues e americana e rendendo a Magness uma indicação ao Grammy. Mas antes desse marco, ela já havia acumulado prêmios de prestígio, da Blues Foundation, que em 2009 a nomeou ao “B.B. King Entertainer of the Year” (ela foi apenas a segunda artista feminina, depois de Koko Taylor, a ser tão reconhecida) e sete “Prêmios de Música Blues”. Em Blue Again (2018), ela trouxe sua voz terrena e dominante para o material de Etta James, Bo Diddley, Freddie King, Nina Simone e Al Kooper.

O seu álbum seguinte Love Is an Army (2018), combina soul sulista que lembra os grandes sucessos da Stax dos anos 1960 com Americana. Seu último trabalho, Change in the Weather (2019), é composto por covers de 12 músicas de John Fogerty.

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CARON “SUGARAY” RAYFORD

Caron “Sugaray” Rayford de Smith County, Texas, é especializado em soul-blues. O cantor e compositor começou a cantar quando criança em uma igreja próxima a Tyler. A pobreza infantil e a morte de sua mãe por câncer marcaram seus primeiros anos. As coisas melhoraram quando ele foi morar com sua avó amante do evangelho em San Diego, Califórnia. Depois de passagens com dois grupos de R&B e blues da Califórnia, ele lançou seu primeiro álbum solo, Blind Alley, em 2010. No ano seguinte, ele se juntou à banda de blues de Los Angeles Mannish Boys, cantando os vocais principais em seu álbum, Double Dinamite.

Entre 2013 e 2022, Rayford lançou cinco álbuns: Dangerous (2013), Southside (2015), The World That We Live In (2017), Somebody Save Me (2019) e In Too Deep (2022). A revista Living Blues elogiou sua “abordagem vocal à moda antiga” que “lembra lendas como Muddy Waters, Otis Redding e Teddy Pendergrass”. Rayford é um artista fisicamente imponente com uma personalidade de palco vívida. Em The Revelator, de Somebody Save Me, Rayford, de 1,80m e 130 quilos, declara-se “uma aberração da natureza”. “Eu não sou nenhuma abelha”, ele anuncia. “Eu sou uma criatura desconhecida/Como você nunca viu.”

Rayford levou para casa cinco Blues Music Awards, incluindo “B.B King Entertainer of the Year” e “Soul Blues Male Artist of the Year”. Somebody Save Me foi indicado ao Grammy como “Melhor Álbum de Blues Contemporâneo”. Seu último, In Too Deep, é uma sessão de soul-blues na qual ele aumenta sua instrumentação central de guitarra, baixo, teclados e bateria com uma seção de metais e flauta, flugelhorn, violino e violoncelo.

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ADIA VICTORIA

Adia Victoria, cantora, compositora e guitarrista de Spartanburg, Carolina do Sul, atualmente sediada em Nashville, criou seu próprio estilo de blues gótico. Desde 2014, ela lançou três EPs – Baby Blues (2017), incluindo uma das músicas mais conhecidas de Robert Johnson, Me and the Devil – e três álbuns: Beyond the Bloodhounds (2016), Silences (2019) e A Southern Gothic (2021). A Rolling Stone chamou A Southern Gothic de “impressionante”, um “trabalho declarativo e delicado de recuperação de raízes, o mais recente capítulo convincente do projeto artístico de Victoria de expandir e recentralizar o blues em uma estrutura contemporânea”.

“Gothic blues” é adequado para o som e o humor do álbum: Magnolia Blues, You Was Born to Die e Deep Water Blues criam um mundo sônico misterioso e assombrado que encanta. Victoria falou abertamente sobre a negligência (e pior) dos artistas negros por Nashville e pelo mundo americano. Em seu podcast “Call and Response”, ela conversou sobre o assunto com músicos como Brandi Carlile e Rhiannon Giddens. Para A Southern Gothic, Victoria recrutou as estrelas de Americana Margo Price e Jason Isbell como colaboradores, e ela tem sido um ato de abertura nos shows de Isbell, com ele e Price se juntando a ela durante seu set.

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JONTAVIOUS WILLIS

Jontavious Willis cresceu cantando gospel com seu avô em sua igreja batista em Greenville, Geórgia. Quando ele tinha 14 anos, o que as pessoas da igreja chamam de “música do diabo” o seduziu. Ele viu um vídeo de Muddy Waters tocando Hoochie Coochie Man e o blues o reivindicou. Willis aprendeu estilos de blues country — Delta, Piemonte, Texas — e desenvolveu habilidades formidáveis ​​como fingerpicker, flatpicker e slide player. Ele também aprendeu sozinho gaita e banjo de cinco cordas.

Em 2015, o Taj Mahal convidou Willis para se juntar a ele no palco, elogiando-o depois como “meu garoto maravilha, o prodígio”. Após receber a benção de Mahal, foi convidado para se apresentar em festivais e, em 2017, lançou seu primeiro álbum, Blue Metamorphosis. Em 2018, a Blues Foundation o reconheceu com o prêmio de “Melhor CD Autoproduzido”. Willis lançou seu segundo álbum, Spectacular Class, em 2019, pelo selo Kind of Blue Music, com Taj Mahal como produtor executivo e Keb’ Mo’ como produtor. Composto por dez faixas escritas por Willis, o álbum conta com seus vocais e violão, com Keb’ Mo’ na guitarra elétrica. Spectacular Class foi indicado ao Grammy 2020 de “Melhor Álbum de Blues Tradicional”.

Em uma entrevista do Living Blues com Corey Harris, Willis observou que, embora “Delta blues e Chicago blues sempre sejam as duas primeiras coisas quando se trata de blues”, ele havia descoberto recentemente o blues por “pessoas da minha região”. “Então, quando comecei a encontrar todos esses jogadores da Geórgia, fiquei tipo, ‘Uau!’ Esses são alguns grandes felinos como Tampa Red, Ma Rainey e Blind Willie McTell, e fiquei tipo, ‘Oh meu Deus’”.

The Blues Is Dead?, de Spectacular Class, expressa os sentimentos de Willis sobre o estado do blues hoje. “As pessoas estão falando, e isso me fez coçar a cabeça/Eu disse que as pessoas estavam falando, e isso me fez coçar a cabeça/Eles estão dizendo repetidamente que o blues está morto/Bem, o blues não está indo” lugar nenhum, vou ficar aqui por muito tempo.”